Читать онлайн Энциклопедия современного искусства. 100 мастеров XXI века бесплатно
«Не угашайте свое вдохновение и свое воображение; не становитесь рабом своей модели».
Винсент Ван Гог
Уважаемый читатель, «Энциклопедия Современного Искусства. 100 мастеров XXI века» создана командой международного проекта в области современного искусства и моды «Arts & Fashion». В ней собраны биографии и удивительные истории художников, фотографов, скульпторов, иллюстраторов и дизайнеров одежды. Данная книга предполагает ознакомить публику с яркими творческими людьми, которые живут с нами в одно время и создают красоту современного мира – мира современного искусства.
«Судить об искусстве просто, а понимать его – еще проще». Одна из важных целей проекта «Arts & Fashion» – это популяризация «молодых» деятелей современного искусства. Отдав предпочтение менее известным, но не менее талантливым мастерам, начать энциклопедию мы хотим со знакомства с выдающимися людьми, которые привнесли большой вклад в наш мир.
Зураб Церетели – один из наиболее известных советских деятелей искусства, а ныне президент Академии художеств России. Талантливый и творческий Зураб Церетели смог себя проявить практически во всех сферах современного искусства. Автору принадлежат картины, фрески, мозаики, барельефы, скульптуры, монументы и другие работы. Творческое наследие автора состоит более чем из 5000 работ, каждая из которых оригинальна, самобытна и неповторима.
Александр Шилов – художник-живописец советского и российского периода, портретист, график. Обладатель премии Комсомола, народный художник Советского Союза. Александр Шилов владеет галереей, расположенной в центре Москвы и уже на протяжении многих лет создает монументальные портреты самых известных личностей современного мира.
Эрик Булатов – советский и российский живописец, чьи работы обрели широкую известность только после распада СССР. Художник проявил свой талант сразу в нескольких стилях современного искусства. Он считается основателем таких направлений, как соц арт, московский концептуализм и поп-арт. В настоящее время творец проживает в Европе, но старается как можно чаще возвращаться на родину за новыми идеями и вдохновением.
Александр Петрелли – художник, график, автор перформансов. Работы подчинены панк-эстетике. Основал галерею «Пальто», в которой экспонирует на внутренней подкладке пальто графику, живопись и объекты. Собственные картины пародируют различные жанры и виды искусства – от русского авангарда до портретов рок-звезд.
Андрей Ремнев – его имя, по мистическому совпадению, созвучно Андрею Рублеву. Живой классик, соединивший иконописные каноны с традицией русского конструктивизма, сегодня популярен как в России, так и далеко за ее пределами. Даже испанские модельеры создают коллекции по мотивам его картин. Однако заграничным далям художник неизменно предпочитает родные просторы.
Михаил Шемякин – советский, американский и российский художник, скульптор. Яркий и эпатажный, этот мастер сумел покорить Европу и Америку, став известнейшим творцом современности. Его работы, колоритные, неоднозначные, у одних вызывают восхищение, у других – непонимание, но никого не оставляют равнодушными. Сам скульптор подчеркивает, что понятие «творить по вдохновению» ложное: есть только кропотливый труд, который и позволяет добиться успеха.
Владимир Дубосарский – живописец, автор крупномасштабных полотен, неизменно воспроизводящих счастливый мир, роскошную утопию, сон или мечту. С 1994 по 2014 год работал вместе с Александром Виноградовым. Их художественный тандем стал одним из самых ярких явлений в постсоветском искусстве, отразив настроения и вкусы трех десятилетий – «лихих» 1990-х, «жирных» нулевых и кризисных 2010-х. В сольном творчестве продолжает изображать «портрет нашего времени», в том числе исследуя репрезентацию в соцсетях и переосмысляя советское прошлое.
Егор Кошелев – далеко не всякий профессиональный живописец готов вовлекаться в практики стрит-арта, но в жизни москвича Егора Кошелева был и такой период. В дальнейшем у него осталась эта тяга к соединению «высокого» и «низкого», массового и элитарного. Сюжетам его картин свойственны миксы и парадоксы; социальная критика здесь не редкость, но она никогда не обходится без философской подоплеки, граничащей с абсурдизмом. Порой автор намеренно маргинализирует традиции академической живописи, стремясь к максимальной звучности своего высказывания.
Игорь Мухин – классик российской фотографии и главный хроникер 1980-90-х. На его пленках сохранились главные герои переломной эпохи и сама атмосфера того времени. Был и ведущим фотографом российского рока со времен его андеграундного существования – снимал едва ли не всех культовых музыкантов и публику на концертах. Отдельные его книги посвящены стрит-фотографии и динамичной жизни большого города в разные десятилетия. В них есть смятение, отчаяние и надежда митингов, бесконечных строек и нелегальной торговли и в то же время много витальности и поэзии человеческих отношений и целующихся пар.
Тимофей Парщиков – автор фото серий, снятых как в России, так и за рубежом, стремится к эффектному, киногеничному кадру. Так, прославившая его серия Suspens, объединена темой тревожной неопределенности, которая, по идее, лишена атмосферы крупных городов. Нужные ракурсы и антураж обнаруживаются в самой городской жизни, подсмотренной, как правило, в вечернее время. Для него любая фотография стремится выявить неочевидную событийность, упускаемую из виду в потоке жизни. Его персональные выставки прошли в России, Франции, Германии, Италии и других странах.
Ольга Тобрелутс – формировалась как художник в конце 1980- х, изучала архитектуру в Ленинграде и компьютерную графику в Берлинском институте ART+COM, входила в легендарную группу «Новая Академия», основанную Тимуром Новиковым. Неоакадемизм с его культом человеческого тела, классическими канонами красоты и многочисленными цитатами из истории искусства соединился в ее творчестве с современными компьютерными технологиями. Лентикулярные панели, видео и живопись становятся способом создания собственной метавселенной, где скрещиваются современные поп-идолы, античные герои, реклама и модные бренды.
Юрий Альберт – относится к поколению новой волны московского концептуализма 1980-х. Он занимается выяснением главных вопросов современности – «что такое искусство?» и «кто такой художник?» и делает это с большой долей иронии. Выясняя положение художника в арт-системе, он свободно фланирует по страницам истории искусства, доводя до абсурда общепринятые представления и стереотипы.
Дмитрий Аске – начинал в 2000-х писать граффити, занимался графическим дизайном и иллюстрацией, автор масштабных муралов в Москве, Владивостоке, Мангейме (Германия) и других городах. Добившись популярности в области стрит-арта, перешел к успешным галерейным продажам и крупным коллаборациям с известными брендами (Nike, Sony и другие). Узнаваемые работы последних лет – уличные крупноформатные скульптуры и интерьерные многослойные рельефы из фанеры с локальными цветовыми пятнами и мозаичным изображением.
Татьяна Ахметгалиева – художник-график, а также мастер запоминающихся инсталляций, в которых вышивка с холста нитями памяти вторгается в окружающее пространство. Родилась в Кемерове, училась в Петербурге, а живет и работает между двух столиц. Ее большой дебют состоялся в 2010-м на Уральской биеннале в Екатеринбурге. С тех пор ее работы представляют пара европейских галерей, а яркую сюрреалистичную графику показывают в музеях и галереях разных стран.
Александр Бродский – архитектор по образованию, в 1980-е он был одной из ключевых фигур направления «бумажная архитектура» – феномена конца советской эпохи, в рамках которого талантливые архитекторы сбегали от унылой действительности в проектирование воображаемых зданий, неизменно производивших фурор на международных конкурсах. В постсоветское время для его фантазий нашелся выход – тотальные инсталляции, объекты, формирующие пространство, в том числе парковое. Как художник он интересуется непостоянством и хрупкостью памяти, личной и коллективной, перебрасывает неустойчивые мостки к советскому прошлому и детским воспоминаниям, говорит об утраченной культуре и уходящем времени, и делает это тонко и точно, играя на полутонах.
Зорикто Доржиев – работает в станковой живописи, графике, книжной иллюстрации, скульптуре и как художник кино. Восприняв основы русской академической школы и «космополитизм» современного европейского искусства, он продолжает следовать бурятским национальным традициям. Творческий метод Зорикто Доржиева строится на синтезе нескольких составляющих, главные из которых – фигуративная традиция академической школы и культурное наследие кочевых народов Бурятии. Среди почитателей таланта Зорикто и коллекционеров его работ немало известных политиков, бизнесменов, звезд кино и музыкантов.
Покрас Лампас – российский художник-каллиграф, который стал амбассадором собственного стиля граффити. Сегодня он рекордсмен Книги рекордов Гиннесса, мастер, работы которого всегда впечатляют. Его творчеством интересуются международные бренды, а сам Лампас стал создателем мерча. Начало этому длительному пути положили поездки на электричках Подмосковья вдоль промышленных зон, где уже в начале 2000-х красовались смелые росписи.
Самое интересное и поразительное в современном искусстве – это возможность по-новому взглянуть на вещи, которые, казалось бы, уже понимаешь и знаешь. Человек, который понимает и разбирается в искусстве, понимает и то, что такое красота линий, пропорций, гармония и дисгармония. Для того чтобы хорошо разбираться в жизни, надо разбираться в искусстве.
Цель книги «Энциклопедия Современного Искусства. 100 мастеров XXI века» подарить возможность приблизиться к современному искусству и убедиться в том, что наш мир богат на талантливых людей. Творцы удивительного и прекрасного, есть и живут с нами в одном мире, дышат одним воздухом, вдохновляются одной природой и проживают те же переживания что и мы.
Уважаемый читатель, после прочтения данной книги, мы рекомендуем познакомиться с мастерами ближе. Посещайте выставки, различные мастер-классы, лекции, культурные мероприятия, ведь самое глубинное и самое главное осознание приходит тогда, когда общаешься с автором лично.
*Все мастера опубликованные в «Энциклопедия Современного Искусства. 100 мастеров XXI века» прошли строгий кураторский отбор и были выбраны профессиональной командой проекта «Arts & Fashion».
Приятного прочтения! С уважением, команда проекта «Arts & Fashion».
ANNA BO
«Мне кажется, что я всегда была в искусстве. Просто осознание того, что я – художник, пришло позже», – рассказывает Anna.
В детстве увлекалась многим, начиная с бальных танцев, заканчивая капоэйра, но искусство всегда брало верх. «На каникулы я всегда брала с собой краски, пастель и карандаши, чтобы в свободное время рисовать», – повествует Anna. Окончила академию имени С. Г. Строганова. Считает, что профессиональное образование даёт базу, благодаря которой ты продолжаешь работать и совершенствоваться в своих навыках. «Для молодого поколения рекомендую учиться и не бояться пробовать, экспериментировать и быть смелее», – утверждает художник.
Anna рассказывает, что сколько себя помнит, всё время показывала свои работы в детстве, а позднее – на бесконечных просмотрах в академии, в настоящее время – на выставках.
«Скажу только одно, что я очень грущу, когда картины лежат и их никто не видит. Искусство без зрителя для меня не имеет смысла», – поясняет автор. Со временем ей пришло понимание, что художник – это не тот человек, который пишет картины, а прежде всего личность и главное, как она мыслит.
Anna является основателем направления «Многогранная живопись». Она представляет картины как арт-объекты, которые способны стать акцентом или даже центром внимания.
«Мы живём в современном мире, мы часто меняемся, куда-то переезжаем. Мне важно создавать искусство, которое соответствует текущему времени», – заявляет автор.
По её словам, она больший смысл вкладывает в возможность создавать различные комбинации между дизайном и классической живописью.
Также развивает в своих картинах тему: космос и человек. Мастер рассказывает, что как-то она спрашивала у одного скульптора: «Быть может, если работать в одном направлении, я смогу создать больше в искусстве?». На что получила ответ: «Это нормально, когда ты переключаешься и как бы отдыхаешь между двумя направлениями. Ты не распыляешься и создаешь свой стиль в двух направлениях».
«Моё искусство в целом усложняется по своим смыслам, техникам и сферам, в которых я хочу быть представлена как автор и как личность», – утверждает мастер. Вдохновение и силу, чтобы продолжать творить, она находит в таких необычных людях, как космонавты. «Я смотрю на фото, которое мне однажды подписал космонавт, на книгу с автографом, и вдохновляюсь такими людьми. «Хочется хоть чуть-чуть быть космонавтом в своей работе», – рассказывает художник о своём источнике вдохновения. В космосе много неизвестного и таинственного для человека. Anna хочет призвать общество обратить внимание на науку и современные технологии. Она считает, что человек, смотря на образы других планет, также задумывается о Земле, так как она уникальна и необходимо о ней заботиться. В её работах из серии «FlY ME…» заложена мысль о том, что у каждого человека, каждой личности есть своё предназначение, свой характер и свои преимущества. Аналогично тому, как и у каждой планеты есть своя миссия в космической системе.
Anna Bo – основатель направления Многогранная живопись. Член Международного Союза дизайнеров. Также её картины находятся в частных коллекциях в России, Англии и США.
«Мои заслуги, к которым причастны близкие люди и преподаватели – это все мои картины и выставки», – заявляет художник. Ей важно создавать искусство, соответствующее современному миру, использовать технологии. Например, дополненная реальность AR, с помощью которой картины оживают и озвучены диктором. Именно новые методы позволяют ей как автору донести гораздо больше смыслов до зрителя.
MERU МАТЬ СТЕКЛА
Родилась 17 августа 1991 года в городе Юрга в Кемеровской области. Закончила художественную школу, имеет высшее образование. Вспоминая детство, MERU упоминает, что она рисовала всегда. Значимой фигурой в увлечении искусством был отец, который помогал узнавать мир через уроки живописи, поэзии, рыбалку, лес.
Для нее это был некий процесс формирования навыков наблюдения и интуитивного чувствования: «Сейчас детский опыт помогает мне в нахождении нетронутых форм самовыражения, улавливании тонких импульсов запроса настоящего момента и реализации свежих идей».
Последние три года MERU была погружена в поиски своего уникального почерка, много экспериментировала, пока ни пришла к изобретению своей техники трансформации стеклотары в искусство. Ради него MERU оставила семью, работу, привычную жизнь. Художник поясняет: «Выстраивая технологию с нуля, мне пришлось отойти от общих технических регламентов работы со стеклом в технике фьюзинг. Но бесстрашие перед рисками, возникающими на пути, привело к созданию новых форм. Техника плавления стекла довольно своенравна и самостоятельна: после закрытия печи моя роль заканчивается, и на сутки жизнь берет искусство в свои руки. При нагревании стекло становится жидким и замирает в движении, полностью изменяя форму, в сути оставаясь неизменным». MERU всегда было мало холста, стены, мало формы, но благодаря стеклу она ощутила ту свободу, которую долго искала. Сейчас художник создает рельефы из стеклотары, расправляя осколки банок и бутылок, тем самым трансформируя использованную массу в искусство.
Благодаря выбранному пути апсайкла MERU реализует в своем творчестве основной принцип бесконечности бытия. Каждый ее рельеф – это воплощенный звук, в нем появляется присутствие, телесность. Разбивая бутылки, художник переносит в стекло энергии и вибрации, исходящие от людей, музыки, криков природы.
Всего за два месяца от идеи рельефа и первой его реализации прошло до признания на московских, петербургских и региональных выставках. Деньги с продаж рельефов частично направляются на благотворительность в ассоциацию «Интенрация», помогающую людям с ограниченными возможными города Новосибирск. Посыл своего искусства MERU определяет так: «Окружающая стандартизация, границы и ярлыки не искренне отражают субъективную реальность восприятия. Не бойтесь исследовать хаос личной самоопределённости, отдайтесь своему оголенному восприятию действительности. Останавливая внимание в глубине капель стекла, гипнотической игре света, мы замираем и неизбежно разворачиваем взор на происходящее внутри нас».
Фьюзинг – техника длительного спекания стекла в печи.
Апсайкл – повторное использование старых либо ненужных вещей, материалов или изготовление из них чего-то нового.
Постояныые выставки:
г. Санкт-Петербург галерея «Мольберт», «УЖЕ», «Arts Square Gallery», «Арт центр Сергеенко».
г. Москва галерея «Винзавод», «FEDINI», «АРТ-МИИТ», «Ассоциация художников пленэристов».
г. Новосибирск галерея «GRUNGE».
VELLY ВЕЛЛИ
Родилась 21 сентября 1997 года в Московской области. Окончила художественную школу с отличием, училась в архитектурной школе. По окончанию университета получила диплом дизайнера среды, но сама Вэлли утверждает, что никогда не работала по этой специальности.
Об образовании художник говорит так: «Я считаю, что для успешной карьеры в сфере искусств нужно постоянно развиваться и пробовать новое, для этого не обязательно получать «официальное» образование в государственных учреждениях». Она уверена, что без сильной мотивации и интереса к искусству вряд ли получится достичь высоких результатов, тем более в такой бурно развивающейся сфере.
Вэлли говорит, что рисовать она любила всегда, и ничто ее так ни увлекало, как этот яркий процесс. В 14 лет она стала подрабатывать репетитором по рисованию, помогая детям готовиться к просмотрам в художественной школе. Ее ученики всего на пару лет были младше, но это совершенно не смущало юного мастера. Уже в 16 лет начала активно принимать заказы на портреты. В этот же период у нее появилась аудитория в социальных сетях, которая была очень заинтересована ее творчеством. Через пару лет Вэлли пришло предложение, в которое она долго не могла поверить. Ей предложили рисовать для знаменитой французской компании «Christian Dior». С этого момента художник начала активно сотрудничать с крупными брендами и рисовать на мероприятиях.
О своих работах Вэлли говорит так: «С каждым годом я всё больше совершенствуюсь, чувствую уверенность и готовность браться за сложные задачи». Художник ставит перед собой много целей, которые приводят к стремлению пробовать что-то новое. Она создает проекты на разные темы.
Например, серия работ BLINDead, над которой работала большую часть 2022 года, посвящена чувствам и тому, как перенасыщение ими может исказить восприятие окружающего мира. Вэлли предпочитает работать в тихой и умиротворенной обстановке. Это позволяет ей полностью погрузиться в процесс и отвлечься от внешнего мира.
В своих работах автор сочетает карандашную графику, акварель и диджитал. По ее словам, это помогает ей «взять лучшее от каждого материала и совместить – в ярком и узнаваемом стиле». Благодаря такому синтезу методов работа выглядит необычно, что позволяет формировать свой авторский стиль. За последние пару лет художница попробовала разные направления в рисовании. Она начинала свой творческий путь с портретов, увлекалась написанием пейзажей, создавала fashion-иллюстрации. Сейчас она рисует портреты, совмещая традиционные техники рисования и диджитал.
Для своих работ она использует карандаши, акварель и графические программы. Сегодня Вэлли – одна из успешных художников России. В ее портфолио есть работы для таких брендов, как: Christian Dior, Bulgari, Givenchy, Armani, Dolce&Gabbana, Estee Lauder, Guerlain, Garnier, L’Oreal, Asus, NVidia, De’Longhi и др. Также она сотрудничала с Mercedes- Benz Fashion Week: проводила мастер-классы в рамках мероприятия, создавала иллюстраций и оформление. Мастер активно развивает свое творчество в NFT. Она считает, что эта сфера открывает большие возможности для художников и позволяет развиваться на международном уровне. По мнению Вэлли, это активно развивающаяся и многообещающая сфера, которая подходит как для начинающих художников, так и для профессионалов.
АГАТА МИРОНОВА
Родилась 13 декабря 1994 года в городе Улан-Удэ. По словам Агаты, один из самых значимых моментов в детстве, к ее сожалению, был негативным. Она очень любила рисовать, занималась этим буквально все свободное время, а по ночам пряталась в ванной, чтобы порисовать еще чуть-чуть. Из-за этого часто сбивался режим, а разного рода домашние дела уходили на второй план. Это начало злить одного из членов семьи, и в порыве гнева сказал, что она бездарность и ничего не добьется своими руками.
«Я и без того была очень чувствительным ребенком, а эти слова просто разбили мне сердце», – рассказывает Агата. Обида оказалась настолько сильной, что с тех пор и до недавнего времени мастер никому и никогда не показывала свои рисунки. Рисовать она не бросила, но ее творчество перестало удовлетворять. Все время в голове крутились слова: «Ты не умеешь рисовать».
Она рвала свои рисунки на самые мелкие части, чтобы не было видно ни малейшей детали, выбрасывала их в мусорное ведро, часто даже вне дома. Самые, на ее взгляд, удачные рисунки прятала за семью замками в своем шкафу и при малейшем приближении к нему любых людей у нее начиналась настоящая истерика: «Туда нельзя!!!». В то же время эта обида вызывала в Агате продуктивную агрессию: «Это я не умею рисовать? Да еще как умею!». И на карманные деньги покупала самоучители по рисованию и даже пошла в изостудию, но для всех это было секретом, для всех она будто бы перестала рисовать.
Художественного образования у мастера нет. Она считает, что оно не обязательно. Ведь художнику в первую очередь важно иметь определенный образ мышления, быть философом. Важно понимать, что он хочет сказать этому миру, какую вызвать эмоцию, какие донести ценности. «Передавать смыслы через образы, а какие будут образы – академический рисунок или абстрактное пятно – не так важно», – утверждает автор.
Агата рассказывает, что по мере взросления творчество стало уходить на задний план. Произошла смена приоритетов на более насущные вещи, такие как: учеба, работа и семья. Художник отмечает, что всю жизнь она страдает тревожными и депрессивными расстройствами. И в самые тяжелые эпизоды жизни она всегда неосознанно возвращалась к творчеству: выплескивала все свои эмоции на бумагу, и ей становилось легче. «Анализируя то время, я понимаю, что это была какая-то интуитивная арт-терапия», – утверждает мастер. С годами расстройства стали прогрессировать, и она все чаще возвращалась к рисунку, пока не пришло осознание того, что творчество ее лечит.Тогда она подумала, что, возможно, если уделять этому больше времени, то получится не доводить себя до кризисов – так и вышло. Позже поняла, что своим творчеством она может помогать не только себе, но и другим.
Так, Агата Миронова создала благотворительный проект в помощь людям, пострадавшим от сексуализированного насилия в детстве. Она делала сумки с принтами от и до, своими руками, а часть средств с продажи отправляла в благотворительный фонд. К сожалению, проект оказался не очень востребованным и продержался недолго в силу отсутствия достаточной аудитории в ее социальных сетях, но художник считает его значимым. Так же ее проект «Выходи за рамки» считается важным в творчестве мастера.
Говоря о стиле работ, можно отметить, что ее творчество – это некое смешение концептуализма и авангардизма. В ее картинах и арт-объектах важнее идея и смысл, нежели содержание и форма. Но в то же время работы имеют экспрессионистские мотивы, так как в них всегда отражены эмоции и переживания автора. Так же в своем проекте «Выходи за рамки» Агата пробует искусство перформанса, что тоже считается формой концептуализма. «Эти работы несут глубокий смысл и заставляют задуматься, стать свободнее, избавиться от некоторых страхов и комплексов, начать думать о себе и своих желаниях, поэтому я хочу, чтобы их увидели, как можно больше людей», – заявляет Агата Миронова. Посыл автора заключается в некоем протесте «нормальности» и «правильности». Люди загоняют себя в рамки общественного мнения, стремятся не выделяться и быть как все. Оттого многие из них несчастливы. Автор хочет показать, что быть «не таким» – нормально.Быть любым, быть собой это круто. Не стесняться самовыражаться и проявляться – это не стыдно.
АЛЕКСЕЙ АПИШ
Родился 24 июня 1989 года в городе Краснодар. В третьем классе Алексей пошёл в художественную школу – с этого момента и начался путь художника, хотя в подростковом возрасте мечтал пойти учиться в цирковое училище. Но сейчас мастер умело совмещает и цирковое искусство, создавая перформансы и живопись. Мастер уверен в том, что профессиональное образование для художника необходимо для того, чтобы можно было выразить свои мысли на холсте и не думать о технической части. «Все-таки живопись – это визуальное искусство. Поэтому живописная составляющая немаловажна», – утверждает автор.
Вспоминая начало своего творческого пути, Алексей рассказывает о первой персональной выставке, которая состоялась еще в художественной школе, а именно в библиотеке города Белореченск, в котором он рос.
Говоря о стиле художника, сложно определить что-то единое, потому что за время многочисленных экспериментов со стилями он начал создавать то какие-то авангардные вещи, то абстрактные или академические, а иногда и полное смешивание желаемого. Но при этом, можно сказать точно, что автор за отсутствие ограничений и возможность экспериментировать. «От живописи нужно получать удовольствие, а не загонять себя в рамки», – с уверенностью говорит Алексей.
Мастер старается доносить определённые мысли «на подумать» благодаря своему творчеству. В своих работах он затрагивает две основные темы энергии: созидательная и разрушительная. Так, с помощью своих полотен автор хочет обратить внимание каждого человека на то, как использовать ту самую энергию и в какое русло ее лучше направлять.
Победитель трёх международных конкурсов «Art Week» в России, Италии и Португалии.
Победитель международного конкурса «Открытия года» в галерее Das.
Лауреат «Эрарта премии 2023»
АЛИНА БЕЛОХВОСТ
Родилась 19 октября в 1989 году в Украине в городе Запорожье. Родители заметили ее тягу к рисованию и решили развить эти навыки, отдав Алину сначала в кружок рисования, а после и в художественную школу, где она изучала академический рисунок и живопись. Как говорит сама художник: «Искусство шло со мной по жизни». В скором времени она получила образование по специальности художник-конструктор. На этом она не остановилась, получив в дальнейшем высшее образование по направлению дизайнер интерьера. Она изучала много профильных предметов, таких как композиция, цветовидение, история искусств, которые очень важны для развития художника. Автор периодически возвращалась к повторению этих дисциплин для самосовершенствования. «Я считаю, что, несмотря на полученные знания в учебных заведениях, художник никогда не должен забывать о самообразовании и саморазвитии», – утверждает мастер.
В абстрактное искусство Алину привела потребность разобраться в себе и справиться со стрессовой ситуацией, возникшей после пережитой авиакатастрофы в 2018 году в Адлере и спустя месяц – аварией на мотоцикле. По её словам, искусство даёт возможность исследовать свой внутренний мир, справиться со стрессом и психологическими травмами. Исследовать себя как личность в контакте с другими людьми, социальное взаимодействие и влияние нашего внутреннего «Я» на окружающих.
Ее работы выполнены в стиле интуитивная абстракция. Как говорит мастер: «Это мой способ погружения в себя и возможность вести исследовательскую деятельность в безопасном пространстве. Это способ достать эмоцию из себя и посмотреть на неё отдельно от всего, что прикрывает суть этих чувств и защищает порой от не особо приятных ощущений».
Основным материалом для рисования является спирт и чернила. Ей нравится экспериментировать в творчестве. Рисовать разными материалами на разных поверхностях. Например, сочетать чернила с воском, маркерами, смолой или текстурной пастой. Такие миксы техник и материалов помогают автору добиться эффекта, который четче выразит свой посыл.
«Люди как лук состоят из многих слоёв, так и мои картины могут быть покрыты несколькими слоями, пусть иногда даже не заметными с первого взгляда», – рассказывает художник. Картины Алины созданы после сильных эмоциональных всплесков или переживаний. Она называет это состояние «когда утихла буря». В своих работах она проживает определённые чувства, которые потом выражает на холсте. Каждая ее картина является личным путешествием в глубь себя. Ее работы о концепции двойственности личности и внутренней борьбе рационального в противоречие эмоционального поля человека. «Мне хочется, чтобы люди не были одиноки в своих эмоциях. Ведь мы все чувствуем, и это делает нас людьми», – заявляет мастер.
Она никогда не идет на компромисс со своим искусством. Оно должно быть выполнено правильно, потому что это спонтанный процесс. Иногда может пройти очень много времени, прежде чем он будет завершен. Некоторые работы Алина делает за один день, над другими может работать несколько лет, слой за слоем, слой за слоем, пока не почувствует работу готовой. Со временем творчество становится более наполненным, энергичным и притягивающим. «Я меняюсь и меняются мои картины…».
«Я люблю ездить на мотоцикле. Это дает чувство безграничной свободы. Но у этого чувства есть и другая сторона. Чтобы быть свободным, нужно четко все контролировать. Каждое движение твоего тела влияет на управление мотоциклом.
Ты должен как бы стать частью его, чтобы добиться нужного результата. Так же и в искусстве есть свобода, но при этом контроль каждого действия, которое влияет на конечный результат. Главное, что в момент рисования ты абсолютно непринужденный человек, который честен перед холстом и открыт процессу, который тебя наполняет. Свобода – это и есть современное искусство» – с уверенностью заявляет Алина Белохвост
.
«ABSTRACTUM 2023» международный фестиваль абстракции; Участник в разделе живопись номинация «Абстракционизм».
«RUSSIAN ART WEEK 2022».
Участник в разделе «Абстрактная живопись: «Эксперимент в абстракции».
Участник в разделе «Абстрактная живопись: «Абстрактный экспрессионизм».
Участник «Arts & Fashion Exposition 2022».
Участник «Arts & Fashion Weekend 2022».
«GOLDEN TIME TALENT» – Международный конкурс талантов.
30 сезон 2022 г. 1 и 2 места.
«Messe Frankfurt Rus 2018».
Ежегодная премия текстильного дизайна «Heimtextil Russia».
«Топ 10 лучших работ», финалист конкурса.
Участник Международного фестиваля дизайна «COW 2011».
АНАСТАСИЯ БОГАТЫРЕВА
( NASTASYA BOGART )
Под именным псевдонимом «Nastasya Bogart» творит художник Анастасия Богатырева, которая является членом Российского творческого Союза работников культуры. Выставочную деятельность ведёт с 2018 года. В детстве часто становилась лауреатом региональных и всероссийских выставок. Ее детскими рисунками иллюстрированы несколько книг.
В период становления и выбора профессии рисование отошло на второй план, так как казалось совершенно несерьезным занятием. Но все же творчество так или иначе присутствовало в ее жизни. Она увлеклась фотографией. Анастасия, вспоминая некоторые моменты из своего творческого пути, рассказала о том, как ее подруга в то время осваивала живопись и взяла ее фото в качестве референса. Преподаватель студии, где подруга занималась, отметил, что фото сделал художник, так как композиции кадра была выстроена идеально. Так к Анастасии пришло понимание, что стоит вернуться к рисованию и продолжить развитие в этом направлении.
Отправной точкой стал первый Международный фестиваль акварели, организованный школой Вероники Калачевой, проходивший в октябре 2017 года в самом центре Москвы, в DI Telegraph, на котором собрались неравнодушные к творчеству люди. Акварелисты с мировым именем, производители материалов, представители арт-магазинов, художники-новички, ценители искусства, галеристы. «Погрузиться в эту потрясающую атмосферу было чем-то невероятным. От всех художников остались яркие впечатления. Например, Феликс Шайнбергер устроил потрясающую автограф-сессию, на которой нарисовал всем по скетчу. Лорен Мак Кракен раскрыл много секретов о поэтапном создании своих работ», – рассказывает Анастасия. Именно здесь она познакомилась с бразильским мастером акварели Эудисом Коррейя, который известен во всём мире благодаря своей яркой и эмоциональной манере письма, и посетила его обучающий мастер-класс.
В поисках своего материала, помимо акварели, она начала увлекаться маслом и обучилась письму у современного российского художника Екатерины Алекс. Получив необходимые знания и опыт в практике рисования, Анастасия стала организовывать и проводить арт-мероприятия и мастер-классы. Сейчас попрежнему организовывает творческие встречи, но уже делегируя ведение другим художникам. Также периодически проводит индивидуальные уроки.
На данном этапе творчества художник работает маслом в технике старых мастеров. В написании работы для нее важно погружение в материал, исследование техники письма. Помимо зарисовок, изучает световые схемы, свойство и «поведение» красок. «Например, кажется очевидным, что разбеленная черная дает серый оттенок. Но этот серый может стать синим, фиолетовым, зеленым, если его поместить в соответствующее окружение», – рассказывает о своем наблюдении Анастасия. Саму технику исполнения мастеров прошлого изучает через самую эффективную методику для самостоятельной практики – копирование. По ее мнению, это сильно развивает творчески и повышает технический уровень работ.
По приглашению кураторов картины Анастасии выставлялись на разных площадках и галереях, в том числе и международных:
2019 г. – «Russian House» г. Берлин, Германия.
Галерея «Crisolartgalleries» г. Барселона, Испания.
2022 г. – «Salon art shopping carrousel du Louvre» г. Париж, Франция.
2 значимые региональные выставки в г. Екатеринбург, Россия
2020 г. – «Декабрь и мысли» в Правительстве Свердловской области
2022 г. – «Сокровища Урала» в Резиденции губернатора Свердловской области.
2023 г. – «Arts&Fashion» г. Анталия, Турция.
Ее работы находятся в частных коллекциях в России, Испании, Германии и США.
Художник убеждена, что есть определённая энергия, эмоция, которые отдает автор, работая над картиной. Это насыщение передается только при прямом контакте, когда человек вживую видит картину, фактуру, цвет.
Это как с музыкой – слушать её в концертных залах и воспроизводить на носителе – не одно и то же. Нет той атмосферы и силы воздействия.
Говоря о современном искусстве, Анастасия вспоминает слова директора и президента Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве Ирины Антоновой:
«Искусство -это всегда диалог с миром. А в мире и сейчас, и в обозримом грядущем осталась только реальность, как стена, как груда кирпичей, которую нам и показывают, говоря – вот это искусство. Или показывают заспиртованную акулу, но она вызывает только отвращение, она не может вызвать другое чувство, она не несет ничего возвышенного, то есть идеала. Как выстраивать мир при отсутствии идеала? Я не пророк, но мне ясно: то, что сейчас показывают на наших биеннале, это уйдет. Потому что консервированные акулы и овцы – это не художественная форма. Это жест, высказывание, но не искусство».
Поэтому Анастасия Богатырева старается в своих работах найти ту самую форму и обратиться к эстетическим, интеллектуальным темам, тем самым стараясь передать ощущение прекрасного.
АНАСТАСИЯ СЕРБЛЯНСКАЯ
Родилась 17 июля 1984 года в Донецкой области, после переехала на Крайний Север, где прожила большую часть жизни. Сейчас уже более 10 лет живет, воспитывает троих детей и развивает своё творчество в Московской области. С детства Анастасия была активным и творческим ребёнком. С радостью посещала множество кружков по изобразительному искусству, лепке, шитью и вязанию мягких игрушек, танцам и театральному мастерству. С возрастом ее желание стать художником только возросло.
По словам Анастасии, сколько она себя помнит, столько и обучалась чему-то новому и интересному в сфере искусства. Окончила художественную школу и педагогические курсы. За ее спиной два высших образования: Экономическое (2007 г.), Дизайнер и декоратор интерьера (2015 г.). На сегодняшний день имеет 15-летний опыт в преподавании изобразительного искусства и художественной росписи стен. Около 10 лет занимается дизайном и декором интерьера, включая барельеф и авторские картины. «Мне кажется, я человек искусства по жизни, без творчества не могу прожить и дня, постоянно хочется что-то придумывать, заниматься саморазвитием, принимать участие в новых проектах», – утверждает мастер.
Одним из интересных моментов в начале творчества стал путь от педагога-организатора в общеобразовательной школе к преподавателю изобразительного искусства и первой ее масштабной художественной росписи на стене школы размером 10х4 кв. м. По мнению художника, это был пейзаж, который дал возможность дальнейшему развитию как художника и преподавателя. Что касается выставок и конкурсов, то на протяжении всей жизни, начиная со школьных лет, она активно в них участвовала и становилась призером.
Работы мастера, за исключением художественной росписи стен, создаются в исключительно авторском стиле. Это могут быть как реалистичные и живописные работы, так и декоративные. Большинство работ – это анималистические образы, пейзажи и цветочные натюрморты. Анастасия предпочитает в своем творчестве использовать графику и акриловую живопись. В создании авторской объемной картины применяет смешанную технику, работая с лепными материалами, такими как: гипс, штукатурка, декоративная шпаклевка. После картина тонируется или расписывается акриловыми красками.
«В первую очередь хочется поделится с людьми своим виденьем мира, установить эмоциональную связь, чтобы мои работы затронули людские души. Посыл моих работ в том, чтобы видеть прекрасное вокруг себя, так как в наше время многие попросту не замечают этого, живя рутиной и проблемами изо дня в день. Мои картины воссоздают гармонию с природой и дают виденье прекрасного. Благодаря тому, что они не просто написаны на плоскости красками, а имеют достаточный объём, который приятно изучать не только глазами, но и на ощупь», – завершает рассказ о своем творчестве Анастасия Серблянская.
Член Творческого Союза Профессиональных художников г. Москва.
Победитель областного конкурса «Педагог года 2011» по изобразительному искусству.
Создатель и руководитель студии дизайна интерьера и настенного искусства «Serblyanskaya Art&Design».
АНАСТАСИЯ СОКОЛОВА
Родилась 18 сентября 1999 года в станице Кущевская в Краснодарском крае. Все детство Анастасия увлекалась музыкой. Обучалась в музыкальной школе в классе скрипки, но вскоре поняла, что это не ее инструмент. После окончания музыкальной школы продолжила учиться музыке, брала уроки игры на гитаре и даже на барабанах. Но ничего серьезного с этим творчеством не сложилось. В 16 лет она попала на урок рисования, куда ее пригласила подруга детства. С того дня Анастасия оказалась в мире искусства.
Вскоре она окончила Армавирский государственный педагогический университет и стала дизайнером интерьера. Она считает, что образование в сфере искусства полезно. Зная основные правила и законы искусства, можно создавать потрясающие, выразительные, яркие и запоминающиеся художественные образы.
«Я не думаю, что любой человек может спонтанно взять кисть и сотворить произведение искусства, не имея за спиной какой-то основной базы знаний. Талант определенно имеет место быть, и у кого-то с первого раза получится лучше, чем у других. Но без знания анатомии и пропорций отличный портрет не нарисуешь», -размышляет мастер.
В искусство ее привело желание уметь создавать на бумаге объем и пространство. Однажды на одном из уроков игры на гитаре она увидела у учительницы картину, которая была настолько реалистичной, что ей показалось, будто это маленькое окошко, в котором она, словно в живую, видит березовую рощу ранней весной. Тогда она решила, что для такого мастерства нужно иметь особый дар или талант с рождения. Но ее учительница объяснила, что она начала рисовать уже на пенсии, поэтому никогда не поздно учиться.
Говоря о творческом пути, Анастасия вспоминает свое первое участие в Кубке России по художественному творчеству – Ассамблея Искусств. Под четким руководством своего преподавателя по живописи она смогла занять 2 место.
Анастасия рассказывает, что за время ее творчества она попробовала разные жанры, но остановилась на пейзажах. По ее словам, природа имеет разнообразие форм, цветов, композиций, в ней нет каких-то строгих рамок, есть только свобода.
«Сейчас я нахожусь в начале своего творческого пути, и пока мне не удалось остановится на чем-то одном и конкретном, но я уже заложила себе вектор движения на реалистичные и абстрактные, природные и урбанистические пейзажи», – рассказывает мастер.
В своей живописи автор применяет технику импасто для создания красивой фактуры и ала прима, чтобы работы были живыми и динамичными.
Анастасия Соколова безумно любит природу. Для нее, как для человека, живущего в городе, особую ценность имеет возможность вырваться на природу.
Особое место в ее сердце занимает Кавказ со своими величественными горами.
«Находясь там, сразу понимаешь всю силу природы, что человек над ней не властен. Я хочу подарить людям возможность наслаждаться прекрасными видами, донести до них ценность сохранения природной красоты», – утверждает художник.
АННА ГОРБЕНКО
Родилась 18 октября в городе Тольятти Самарской области. С детства увлекалась творчеством: занималась музыкой и хореографией, рисованием и лепкой. Окончила Академию Управления. Считает, что для того, чтобы творить, нужно желание, талант, активность, упорство и много практики. «Изучать новые и интересные техники, общаться с художниками, не бояться экспериментировать и заявлять о себе», – уточняет художник.
В искусство Анна пришла легко. Стоило ей лишь попробовать рисовать масляными красками, как она влюбилась в процесс. Мастер вспоминает: когда она написала свои первые картины маслом в 2015 году, появилось желание показать их миру. Стала думать, где их выставить, чтобы поделиться своим творчеством. Так началась история участия в художественных выставках. И так шаг за шагом, изучая новые направления в искусстве, нащупывая свой стиль, перенимая опыт у других мастеров, изучая академическую живопись.
За 9 лет Анна создала внушительную коллекцию своих работ и приняла участие в ряде значимых проектов в искусстве.
Картины Анны представлены в стилях романтизм и символизм. Любит писать городские пейзажи, силуэты людей, абстракции, тем самым передавая красоту окружающего нас мира. В своих работах использует масляные краски и спиртовые чернила (Alcohol Ink), которые уникальны и неповторимы в изображении различных сюжетов. Такая техника достаточно быстрая в реализации, тем самым получаются абстракции, которые, по словам автора, «идеально вписываются в современные интерьеры».
Когда Анна изображает городские пейзажи, то можно окунуться в ту атмосферу, природу и красоту этих мест, что позволяет помечтать или вспомнить свои путешествия. Если говорить о символических картинах, то тут однозначно каждый почувствует и увидит что-то своё.
Творчество может радовать, давать возможность задуматься или просто созерцать. Рисуя, автор чувствует в себе наполненность, гармонию и вдохновение. В каждую картину вкладывает частичку своей души. «Картина передает энергию художника, поэтому для меня это особый процесс создания и творчества», – утверждает мастер. Совершенствование художника отображается в ее творчестве тем, что появляются новые идеи, желание экспериментировать с материалами и различными техниками исполнения. Как говорит автор: «Чем больше пишу, тем больше нравится». Она не останавливается в написании работ до того момента, пока не почувствует, что картина полностью завершена и больше нечего добавить. Ее вдохновляет творчество других художников и современников, что, в свою очередь, открывает для нее новые смыслы и образы.
Анна Горбенко регулярно принимает участие в творческих проектах, выставляет картины в России и за рубежом с 2016 года. Ее работы есть на трех континентах: в Европейских странах, Австралии и США. «Радуюсь, когда моя работа находит новый дом», – говорит мастер. Для нее дарить положительные эмоции, делиться видением прекрасного через картины и украшать пустые стены домов или офисов для людей – скромный, но очень важный вклад в мир искусства для художника.
2023 г. – фестиваль имени Святослава Рихтера, г. Таруса.
2023 г. – Персональная выставка в Москва Сити, г. Москва.
2023 г. – Выставка художников из России, ОАЭ, Дубай.
2022 г. – «Fashion bitva» Выставка дизайнеров и художников, Arbat Hall, г. Москва.
2021 г. – международная выставка конкурс «Современный авангард», Выставочный зал Евразийского художественного союза – Галерея современного искусства «EURASIUM! Галерея».
2021 г. – выставка «Космос как предчувствие», Инновационный центр Сколково.
2021 г. – «Art fashion week 2021», Artnovi Space, Доброслободская ул., 3, г. Москва.
2019 г. – Выставка современных художников, Усадьба Струйских, г. Москва.
2019 г. – Персональная выставка. Сбербанк России, г. Москва.
2019 г. – выставка картин в БЦ «Новинский пассаж», г. Москва.
2018 г. – Выставка «Портрет животного», Третьяковская галерея на Крымском валу, г. Москва.
2018 г. – Выставка «Visionary art», Московский дом художника, г. Москва.
2018 г. – «Раскрепощение. Женский образ», галерея Дрезден.
2017 г. – «Российская неделя искусств», 2 призовых места, творческое пространство ARTPLAY, г. Москва.
2016 г. – «Марафон искусств», БЦ Романов Двор, г. Москва.
АННА СЫЧЕВА
Родилась и выросла в городе Москва. Рисовать начала еще в детстве, в возрасте 6 лет родители отдали ее в студию рисования, где начались первые шаги в искусстве. «В школе у нас был прекрасный педагог по изобразительному искусству Фаина Петровна Кузьмина, которая и привила, как мне кажется, особую любовь к творчеству не только мне, но и многим другим ученикам. Она создала в школе настоящий музей русского народного творчества, а наши занятия отличались большим разнообразием.
Она была очень строгой, но мои работы регулярно попадали в разряд лучших, что, несомненно, вдохновляло. Благодаря ей я поступила в общеобразовательную школу с углубленным изучением изобразительного искусства, идейным вдохновителем создания которой и была Фаина Петровна», – вспоминает мастер. После Анна поступила на геологический факультет МГУ им. М.В.Ломоносова.
Также прошла курс профессиональной переподготовки «Дизайн СМИ и коммуникации» на факультете журналистики МГУ. Это уникальная образовательная программа, где упор делался на визуальный язык СМИ, разработку графической концепции, проектирование и внедрение дизайн-концепций СМИ.
Именно живописью активно начала заниматься последние несколько лет. Анна участвовала в ряде художественных выставок в Москве, конкурсах, арт-проектах. Еще некоторые ее работы находятся в частных коллекциях. Что касается стиля, ей больше всего импонирует стиль художников импрессионистов и постимпрессионистов, символизм, концептуализм. Однако она пробует себя в различных направлениях: как академическая живопись, так и современные направления в искусстве.
«Пока не хочется останавливаться на чем-то одном. Я очень люблю все новое и необычное. Возможно, в будущем я бы хотела создать свой уникальный стиль. Я люблю ставить перед собой сложные цели и достигать их. Мне кажется, мои работы с каждой последующей становятся все лучше и лучше. Но я -перфекционист, мне всегда чего-то не хватает. Возможно, именно это качество и позволяет мне идти вперед и постоянно совершенствоваться», – рассказывает художник.
В живописи мастер любит сочные, чистые, яркие цвета. Часто черпает вдохновение в путешествиях по родному краю, где воодушевляется красотой самой природы. Очень любит писать с натуры, выезжать на пленэры. Каждую картину автор старается наполнить светом, любовью, гармонией, теплом и просто хорошим настроением, что положительно сказывается на энергетике работ. «Я хочу, чтобы мое творчество заряжало позитивом, радостными эмоциями, вызывало эстетическое удовольствие, заставляло задуматься о жизни и ее смысле», – утверждает Анна Сычева.
АННА ХОДЧЕНКОВА
Родилась 11 сентября 1977 года в городе Ангарск, Иркутской области. По рассказам Анны, ее бабушка и тетушка всегда были увлечены рукоделием. Занимались шитьем и вышивкой крестиком и гладью. И именно они привили любовь к творчеству. Образования в сфере искусства у Анны нет, но она прошла множество различных мастер-классов по вышивке: гладь, золотное шитье, вышивке от кутюр. Сумочки училась шить тоже по мастер-классам.
«Считаю, что заниматься искусством и создавать шедевры можно и без образования. Сейчас очень много информации в свободном доступе», – утверждает мастер. По ее словам, у нее все получается больше на интуитивном уровне. Вдруг приходит какое-то видение, и уже не остается шансов не воплотить это в жизнь.
Анна пришла в творчество внезапно. Проработав 11 лет экономистом, начала чувствовать дискомфорт. Вроде все хорошо, но чего-то не хватает в жизни. Начала искать себя, пробовать разные направления в творчестве. Делала разные разборы: нумерология, астрология, хиромантия, родовые практики. И однажды увидела сумку, от которой не могла оторвать глаз.
Это была замшевая сумочка нежного пудро-розового цвета на фермуаре с кружевом, вышивкой и шелковой кистью. Это был предел ее мечтаний. Невероятно элегантно, эстетично и вкусно. И в какой-то момент Анна почувствовала, что хочет и, главное, может создавать нечто подобное сама. И Вселенная ее услышала, постепенно начала открывать перед ней мир рукоделия. Первым в ее мир постучался мастер-класс по созданию сумочки. Он был таким желанным, что не смог бы пройти мимо. Случилось это в 2020 году, в июле. Она сшила для себя первую замшевую сумочку с вышивкой на фермуаре.
И вот с декабря 2020 года, как говорит мастер: «Она в деле». Сначала сшила две мини-сумочки подругам в подарок на Новый год. Затем была первая коллекция сумочек из гобелена «Райские птицы». Две улетели сразу же в Москву, две остались на родине. С одной из них произошла интересная, но немного печальная история. «Хозяюшка поехала с ней на отдых в Сочи. И там в одном из кафе ее украли… «…твои сумочки, Аня, вызывают такой восторг, что возникает желание присвоить их себе…», – сказала она мне по возвращению», – вспоминает мастер.
Дизайнер сумок вдохновляется современной модой. Сейчас огромное количество невероятно талантливых мастеров, и у Анны есть свои кумиры, у которых она учится чему-нибудь новому. «Сейчас, по-моему, возвращается спрос на изделия ручной работы. Так как ранее ручной труд мало ценился, вещи почему-то считались некачественными и неинтересными. Люди относились к хендмейд-изделиям с неким пренебрежением. Поэтому сейчас мы, мастера, в ответе за то, чтобы вернуть людям доверие и любовь к этому творчеству», – заявляет художник.
Анна, как всякий творец ищет признания и, конечно же, хочет подарить женщинам возможность радовать себя красивыми и стильными аксессуарами.
«Мне важно, чтобы мои изделия подчеркивали уникальность женщин и их индивидуальность. Ведь это не просто аксессуары, это творчество», – утверждает автор.
2022 г. – участник «Arts&Fashion Weekend 2022» в Новом Манеже.
2023 г. – победитель в номинации «Вечерняя мода» в 6 сезоне «ИруктсФэшнДэй» (представляла коллекцию сумочек совместно с дизайнером одежды Светланой Старостиной под названием «Я НЕ Моль».
2023 г. – победитель в номинации «Аксессуары» в открытом конкурсе креативной моды «Дело Вкуса» г. Иркутск.
АССИЯ ЗАРИН
Родилась 8 ноября 1998 года в городе Москва. «Если бы я выделяла те моменты в детстве, которые меня сформировали, в том числе как художника, то я бы хотела быть искренней с вами. Первый момент, который я бы выделила, это безусловная любовь моей бабушки Тамары Григорьевны. Именно она научила меня рисовать, читать, да и вообще вложила в меня все самое лучшее, доброе и те самые глубокие ценности, которые я сейчас транслирую в своей работе и несу по жизни.
Она научила меня мечтать и никогда ни в чем не стремилась ограничить. И, повторюсь, та безусловная любовь, которую она мне показала, не дала моему сердце ожесточиться в последствии. Еще один важный момент, о котором я бы хотела рассказать. Это раскол семьи и ограничения со стороны моих родителей, в некотором роде подавление меня и моего характера. Это тоже то, что сформировало меня. Я не видела уважения между отцом и матерью. В их отношениях присутствовало много агрессии, и в мою сторону в том числе. В последствие отец запил, а мать хотела быть властной и сильно подавляла нас обоих. Это принесло мне много боли, но в тоже время сделало очень сильной. Трансформировала этот опыт в свет и искусство», – рассказывает Ассия.
Рисование в те времена помогало ей во многом выражать свои чувства, не сойти с ума от моральной боли. В этом она находила опору. Ассия вспоминает, как в подростковом возрасте начала рисовать мужские лица разных актеров. Только спустя время она поняла, что так пыталась себя терапевтировать, потому что не хватало отца рядом. Тем самым пыталась добрать эту энергию через образы мужчин, похожих на него. А женщин тогда вообще не хотела рисовать. Впоследствии выяснила для себя, что это было от неприятия своей женственности.
По мнению мастера, сфера искусств должна быть про вдохновение и выход из условностей. База и азы нужны, чтобы видеть мир более объемно и уметь передать то, что ты ощущаешь, и тот образ, который ты видишь. Можно без образования начать заниматься искусством, если это ваше. Вы будете стремиться самообразовываться, а потом и поймете, к чему у вас душа больше лежит, у каких мастеров действительно хочется поучиться. «Я во многом выбрала эту сферу, потому что для меня здесь нет потолка, как во многих профессиях. Столько стилей, направлений, материалов. Можно учиться всю жизнь, писать картины, учить других людей, открывать свою школу и продолжать совершенствовать свое мастерство и идти в глубину», – утверждает художник.
Автор совмещает разные стили в своих работах. Анимали- стика, пейзаж, портрет – это одни из любимых жанров. Новые картины будут исполнены в стиле гиперреализма. «Мои работы – это однозначно про сочетание разных стилей и методов. Это интересно, это дает больше объема, больше жизни самому творчеству. Даже не уверена, что когда-то у меня будет единый стиль. Я постоянно меняюсь, учусь, расту, и вместе с этим трансформируются мои работы. Не могу долго застревать в чем-то одном. Есть такая восточная мудрость о том, что в Мире нет ничего постоянного, кроме перемен», – добавляет Ассия. Она пишет энергетические картины, используя инструменты сакральной геометрии и работу с энергоструктурами.
Беря чистый холст или лист бумаги, мы способны сотворить любую реальность в своей жизни, нарисовать любой сценарий. Мы и есть Творцы своей жизни. Именно поэтому мастер выбрала этот путь. Она уверена в том, что ее творчество, изображенное на холстах, непременно сбывается в ее жизни или имеет целительные свойства, в зависимости от темы работы. Ее основным посылом была, есть и будет «Любовь» в разных формах и проявлениях. Она желает, чтобы все, что мы, как творцы создаем в своей жизни, будет пропитано любовью, радостью и счастьем. В картинах, которые она реализует сейчас, основной темой будет – исцеление женственности.
Через женские архетипы, образы, сказки, взаимодействие с духами растений. Архетипы – это тема, с которой Ассия работает более 9 лет, изучая разные инструменты, школы, и более 3-х лет с людьми как арт-терапевт. Интересно, что изначально эти бессознательные образы придумал далеко не Карл Юнг, а первые свидетельства об архетипах мы можем найти еще в культуре Древнего Египта и Шумеров. «Я вижу, какой колоссальный эффект несет работа с архетипами в руках правильного мастера, прежде всего прожившего эти состояния на себе. Например, став мамой и женой, я поняла, как это важно – не забывать о себе, своей сексуальности, своем любимом деле», – с уверенностью говорит мастер. Это серия работ будет о том, как важно не застревать в одной роли, что именно, реализуя разные свои части и обращаясь к ним за помощью, мы можем менять внутреннюю и внешнюю реальность в своей жизни.
Именно взаимодействие и пребывание в разных ролях рождает в женщине гармонию и целостность, которая в дальнейшем воцаряется и в жизни.
«Я верю, что, когда люди видят мои работы, у них зажигаются сердца, теплеет в душе, и они начинают верить чуточку больше, возвращаются к тому, что для них действительно важно, что делает их счастливыми по-настоящему. А при длительном взаимодействии с картиной вообще открывают в себе много нового и получают желаемые чудеса. В конечном итоге каждый человек видит что-то свое, то, что ему актуально. Я только проводник этих энергий», – заключает свой рассказ Ассия Зарин.
ВАСИЛИЙ ЧЕХОВСКОЙ- БОРИСОВ
Родился 8 февраля 1978 года в Москве. С детства был приближен к искусству благодаря творческим родителям. Большой вклад в будущее Василия внес его дедушка. Он учил внука замечать мельчайшие детали вокруг себя, представляя разные абстрактные объекты. Также важным моментом в творчестве художника стала музыка, в области которой он всегда мечтал работать, поэтому уже в подростковом возрасте начал сотрудничать с музыкальными компаниями. Там же встретил своего наставника Пашу Павлика, который дал много знаний и основы для музыкального дизайна.
Василий занимался оформлением афиш, альбомов, находил интересные знакомства в мире музыки. «Это были прекрасные и плодотворные времена», – говорит художник. Смог осуществить свои задумки в роли организатора, после чего больше углубился в художественную индустрию.
Получил образование в сфере ювелирных изделий, хотя всегда мечтал стать актером. Стремился попробовать что-то креативное и неординарное, поэтому судьба свела даже с режиссурой кино и видеографикой. Про образование для художников говорит так: «Считаю, что необходимо иметь образование классического рисунка. Это как минимум правильный подход к творчеству в целом, но в наше время все зависит от продвижения концептуальных идей».
Василий и по сей день продолжает совершенствоваться в искусстве, пробуя что-то новое и захватывающее. Его мотивирует возможность передавать свои знания и умения другим художникам, чтобы люди, посмотрев на его творчество, могли отвлечься от рутины и обыденности дней, погрузившись в некую сказку и фантазию мыслей. Вдохновителем для мастера является его мама – Татьяна Сергеевна Борисова, художница и архитектор-реставратор.
В начале своего творческого пути Василию было очень трудно осознать, что именно он хочет делать. Много работал и пробовал себя в сфере графического дизайна, а также в кино и видеоиндустрии, тем самым искал способы совершенствования. Сейчас экспериментирует, совмещая графический ренессанс с акрилом. Для него новый стиль – это и есть современное искусство. Но карандашная техника остаётся в фаворитах, так как благодаря ей он может передать те формы и движения, которые чувствует.
До начала процесса создания картин мастер пребывает в хаосе. На это влияют все жизненные аспекты, но во время реализации задуманных работ Василий находится в спокойствии и умиротворении, так как, по его мнению, «Человек не может в хаосе сотворить что-нибудь нормальное». Художнику нравятся средневековые сказки, которые приходят ему во снах и являются некими помощниками в создании картин. Со временем Василий чувствует прогресс в профессиональной технике и фантазии. Его взгляды, образы и техника меняются, появляется желание создавать все больше новых работ. Художник говорит, что главное для него – это признание зрителей и получение опыта.
ВЕРА ЗВЯГИНА
Родилась 1 октября 1991 года в городе Санкт-Петербург. С самого детства обучалась в художественной школе и занималась индивидуально с преподавателем, участвовала в различных выставках. Окончила колледж Петербургской моды, получила высшее образование по профессиям: портной, художник по костюмам. Вера продолжает учиться искусству во всех ее видах. «Я знаю, что есть много талантливых художников без профессионального образования. Главное – это прокачивать себя и трудиться каждый день, чтобы росли и развивались навыки», – говорит художник.
Она находится в искусстве всю свою жизнь. Но начало ее творческого пути связано с историей ее рода. Её дедушка писал картины в собственной графской усадьбе Брянчаниновых в Псковской области. Многие работы были разрушены и утеряны во времена революции, но одна картина уцелела и досталась Вере по наследству. Именно поэтому она называет себя «Художник голубых кровей».
Она не сразу нашла свой почерк. К написанию Fashion-Матрёшек пришла благодаря одному заказу по реставрации, в который решила привнести немного современности. Матрёшка – это женщина с сильной позицией, содержащая в себе весь род от мала до велика. Вера привносит обществу новый образ матрёшек, чтобы было патриотично и в духе времени. После очень вдохновилась историей с Яйцами Фаберже. «Я чувствую к этой истории свою причастность голубых кровей. Для неё это отличные размышления о том, какими бы были Яйца Фаберже в современном мире. И поэтому решила создавать модернизированную коллекцию картин.
«Если бы Карл Фаберже был жив… Он бы точно сотрудничал с модными и ювелирными домами, люксовыми марками часов и премиальными машинами», – рассказывает Вера.
Это пока два направления в стиле Fashion Pop Art, в которых она работает и развивается и по сей день.
Вера любит сочетать в своём творчестве всевозможные навыки. Например, технику алкогольных чернил (абстракция на фоне), которой она обучалась на курсах у Александра Рощина (один из первых, кто привёз эту технику в Россию) сочетает с акрилом и ручной вышивкой, различными бусинами или цепочками, добавляет перья, что придает необыкновенный эффект красоты. «Так как образование у меня швейное, я мастерски все это сочетаю», – утверждает автор.
Одними из запоминающихся моментов для автора стали «Arts&Fashion Biennale Moscow», выставка в «Pop Up museum», где она выступала с вступительной речью, представление экспозиции в Новой третьяковке, где её работы заметила одна из московских галерей и предложила эксклюзивный контракт с персональным развитием. Со временем Вера ощущает прогресс и значимый результат в своём творчестве.
«Я вижу результаты, и это мой двигатель. Значит, всё не зря», – уверяет мастер. Это проявляется, как и в технике, так и в размерах полотен. «Моя мечта – это создать мурал, расписать целый дом!», – говорит художник. Каждая её новая работа становится сложнее, детализированнее и многослойнее.
Успехи, которые достигла Вера, благодаря своему труду и горящим глазам:
Попала в коллекцию куратора на международной онлайн галерее, оказавшись среди сотен тысяч мастеров в топ 100 лучших недели на «saatchi.art».
Получила личное приглашение от куратора выставляться в лучшей международной онлайн галерее «SINGULART».
Её работы находятся в коллекциях у известных блогеров и российских звезд.
«Моя миссия великая – продолжить путь художника уже в современной интерпретации, чтобы частицы нашей фамильной ценности украшали дома во всех уголках мира», – заявляет Вера Звягина.
ВИКТОРИЯ МАРТЮШЕВА
Родилась 4 января 1990 года в городе Тверь. По словам Виктории, она никогда не считала себя творческим человеком. Но при этом окончила музыкальную школу, хоть за инструмент она больше не садилась. По образованию – экономист-менеджер на строительном предприятии. Училась в СПбГАСУ, но с этим направлением свою деятельность так и не связала. Вскоре успешно освоила профессию интернет-маркетолога, откуда с удовольствием отправилась в сферу искусств и начала обучение на искусствоведа. Классического художественного образования Виктория не имеет, чему она очень рада, поскольку может идти своим уникальным путем, создавая что-то особенное, не ограничивая себя жесткими рамками. Она уверена в том, что быть художником, нужно только желание.
«Я давно задумывалась о своем предназначении, очень хотелось найти такое занятие, которое будет приносить огромное удовольствие. Так в мае 2022 года случайно попала на курс текстурной живописи и влюбилась в эту технику», – вспоминает мастер. В начале творческого пути самым интересным моментом для нее стало понимание того, что через свое творчество она исцеляет себя и других людей. У нее сформировался свой уникальный метод создания картин.
«Мои работы звучат стихотворениями. К каждой приходят свои уникальные строки, которые помогаю ощутить всю глубину смысла и энергий, заложенных в картину», – утверждает художник. Само творчество выполняется в абстрактном стиле, потому что для автора оно дает абсолютную свободу самовыражения. Виктория работает с текстурными пастами, пишет акрилом, добавляя природные материалы (стекло, морскую гальку, кору дерева, песок).
«Творчество стало моим инструментом самопознания и исцеления. Через мои полотна я передаю энергии любви, гармонии, уюта, помогаю прийти к своей сути. Это желание нести красоту в мир, проявлять высшие чувства через искусство мотивирует меня идти дальше! Именно поэтому сейчас я начинаю обучение искусствоведению. Это поможет мне развиваться не только как художнику, но и поможет принести в мир искусства свои идеи, сделать что-то важное в этой сфере», – заключает рассказ Виктория Мартюшева.
ВЛАДИМИР ВОЛК
Из воспоминаний дочери – Ирины Волк:
«Я искусством болен, болен дни и ночи. С ним и жизнь длиннее, с ним и век короче!» Так писал отец о себе. В ноябре 2015 года его не стало. Он был художником, искусствоведом, иконописцем. В военном детстве отца (родился в 1939 г.) любой клочок бумаги был роскошью, и он рисовал где только можно было. Рисовал много, постоянно, без пауз и лени. Папа был уверен, что искусство – не хобби, а сложный труд и одновременно творческая импровизация, участие в которой принимают и сознание, подсознание, и реальная жизнь. «Выразить что-то до конца невозможно, всегда есть что-нибудь не найденное в себе и окружающем мире, все меняется, все неповторимо, в этом и прелесть, и тайна, и сложность», – это его слова…
Родился в городе Раменское Московской области.
В 1964 году окончил Заочный университет искусств (мастерская
В.П. Митурича). В 1969 году – Художественно-графический факультет Московского государственного заочного педагогического института (преподаватели: А.И. Лактионов, Ф.А. Модоров, Г.Б. Смирнов, В.М. Десницкий).
Владимир Волк состоял в:
Союзе художников СССР;
Союзе художников России;
Ассоциации изобразительных искусств – АИАП ЮНЕСКО;
Московском союзе художников;
Творческом союзе художников России.
Член творческого объединения художников «Большое гнездо» (Г.Г. Кожанов (основатель), В. И. Алексеев, В. М. Шмонов, В.А. Волк).
Около 20 лет работал над росписью храма Архистратига Михаила в деревне Тихиничи Рогачевского р-на Гомельской области Республики Беларусь (создал мозаичные панно и написал свыше 60 живописных икон).
В 2002 г. – награжден Патриархом Московским и всея Руси Алексием II орденом Святого равноапостольного князя Владимира III степени.
В 2007 г. – награжден медалью Святителя Кирилла Туровского Русской православной церкви.
Работы художника выполнены в технике живописи, графики, в т.ч. книжной, скульптуры, декоративно-прикладного искусства.
В настоящее время Третьяковская галерея обладает одним из самых представительных собраний работ Владимира Волка. Также его работы находятся в коллекции Московского государственном музея им. М.А. Булгакова, Саратовском государственном музее им. А.Н. Радищева, в частных коллекциях в России и за рубежом (США, Германия, Франция, Испания, Финляндия, республики бывшей Югославии).
Владимир Волк также известен как поэт, прозаик.
Библиография:
В.А. Волк. Житие Макария. Авторское издание, М., 1963;
В.А. Волк. Окно. Стихи разных лет, рисунки и гравюры. Авторское издание, М.,1995
В.А. Волк. Проша. Житие великого ревнителя красоты. Авторское издание, М., 1998;
В.А. Волк. Невидимое. Авторское издание, М., 2004;
В.А. Волк. Я искусством болен… Живопись, графика, иконопись, проза и стихи, М., 2015.
Владимир Волк участник персональных и групповых международных, общесоюзных, всероссийских, республиканских, зональных и московских выставок:
1951 – персональная выставка (МОУ Ховринская ООШ, Москва);
1961 – всесоюзная выставка живописи московских художников (Выставочный зал «Манеж», Москва);
б/г – 7-я выставка молодых художников (зал Московского Союза художников, Москва);
1971 – групповая отчетная художественная выставка (1-й Дом творчества им. Д.Н. Кардовского, Переславль-Залесский);
1971 – персональная выставка (галерея на ул. Жолтовского, Москва);
1974 – осенняя выставка московских художников (зал Московского союза художников, Москва);
1974 – 10-я выставка молодых художников;
1974 – весенняя выставка московских художников;
1974 – осенняя выставка московских художников;
1974 – выставка «Москва Трудовая» (Москва);
1974 – выставка (ДК Парижской коммуны, Москва);
1975 – выставка (кинотеатр «Темп». Ранее существовал на ул. Беговая, Москва);
1976 – весенняя выставка московских художников (Москва);
1976 – осенняя выставка произведений московских художников (Москва);
1977 – выставка художников Московского объединенного комитета художников-графиков (М. Грузинская, 28, Москва);
1977 – летняя выставка художников Московского Объединенного комитета художников-графиков (М. Грузинская, 28, Москва);
1977 – «Выставка портрета» (М. Грузинская, 28, Москва);
1977 – Выставка 176 художников при Московском комитете профсоюза художников (М. Грузинская, 28, Москва);
1978 – выставка рисунка и акварели (Русский музей, Ленинград);
1978 – выставка живописи (М. Грузинская, 28);
1978 – выставка «Пейзаж. Натюрморт» (М. Грузинская, 28, Москва);
1978 – выставка «Красная Пресня» (Дом кино, Москва);
1979 – весенняя выставка живописи (М. Грузинская, 28, Москва);
1979 – «Москва и москвичи» (Горком графиков, Москва);
1979 – «Выставка станковой графики»;
1979 – «Весенняя выставка московских художников» (Москва);
1979 – «Выставка живописи» (Горком графиков, Москва);
1979 – выставка в Доме литераторов (Москва);
1979 – выставка станковой графики (М. Грузинская, 28, Москва);
1979 – «Карандашный рисунок» (Горком графиков, Москва);
1979 – весенняя выставка живописи московских художников (Москва);
1979 – «Конкурсная высш. Графики» (диплом);
1980 – выставка живописи московских художников (Москва);
1980 – «Выставка фото и графики»;
1980 – выставка «Российские мотивы в произведениях художников Объединенного комитета» (М. Грузинская, 28, Москва);
1980 – выставка «Художники-графики—Олимпиаде-80»
(М. Грузинская, 28, Москва);
1980 – выставка «Российские мотивы в произведениях художников Объединенного комитета профсоюза» (Московский Дом ученых Академии наук СССР, г. Москва);
1980 – осенняя выставка живописи московских художников (Москва);
1980 – «Эстамп» (Московский союз художников, Москва);
1981 – «Космос (фантазия и реальность)»;
1981 – весенняя выставка московских художников;
1981 – выставка в Звездном городке (г. Щёлково, пос. Звёздный, Московская обл.);
1981 – осенняя выставка (Горком графиков, Москва);
1981 – летняя выставка московских художников (Москва);
1981 – выставка «100 пейзажей» (М. Грузинская, 28, Москва);
1982 – выставка «Художник и сказка» (к 100-летию К. Чуковского);
1982 – персональная выставка в Тимирязевской академии (живопись, графика и скульптура, Москва);
1982 – «Художник и город»;
1982 – «Краски осени»;
1982 – осенняя выставка живописи московских художников;
1982 – выставка творческой группы «21 московский художник»
(М. Грузинская, 28, Москва);
1983 – осенняя выставка живописи московских художников;
1984 – выставка в Зеленограде;
1984 – вторая выставка творческой группы «21 московский художник» (М. Грузинская, 28, Москва);
б/г – выставка «Субботник» (ДК «ЗИЛ», Москва);
1988 – выставка «Ритмы города. Я-Ты-Он-Она-Мы-Вы» (М. Грузинская, 28, Москва);
1989 – 4-я Всероссийская выставка эстампа (Манеж, Ленинград);
1990 – выставка-аукцион (Париж, Франция);
1990 – выставка-продажа «Храм и душа» (Юношеская библиотека
№ 214, Москва);
1991 – выставка «Обнаженная на все времена» (М. Грузинская, 28, Москва);
1991 – выставка «Напряженная ориентация» в Саратовском государственном художественном музее им. А.Н. Радищева (Саратов);
1991 – выставка «Мир религии» (М. Грузинская, 28, Москва);
1992 – выставка «Весенняя выставка-продажа «92» (М. Грузинская, 28, Москва);
1993 – выставка (г. Висалия, Калифорния, США);
1993 – выставка «Искусство России» (Музей А.С. Пушкина, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1993 г. – выставка «Русский пейзаж» (Культурный центр «Остожье», Москва) Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1993 – Весенняя выставка живописи (М. Грузинская, 28, Москва);
1993 – выставка «Город. Образ жизни» (М. Грузинская, 28, Москва);
1993 – выставка «Российские традиции» (М. Грузинская, 28, Москва);
1993 – выставка «Квадрат + квадрат» (М. Грузинская, 28, Москва);
1993 – анималистическая выставка (М. Грузинская, 28, Москва);
1993 – «Легенда. Выставка работ 60-х-70-х» (галерея «Селена- Арт», Москва);
1993 – групповая выставка Modern Non-Figurative & Figurative Fine Art Eastern Europe & California (галерея Ludwa Studio, Кармел, Калифорния, США);
1994 – выставка «Московские этюды» (Академия МВД РФ, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1994 – выставка-конкурс «Альтернатива» (выставочный зал на ул. Солянка, Москва)
1995 – выставка «100 лет со дня рождения С.А. Есенина». Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо».
–
Государственный музей – гуманитарный центр «Преодоление»
–
им. Н.А. Островского, Москва;
–
Центральный Дом Журналиста, Москва;
–
Центральный дом работников искусств, Москва;
–
Государственный академический Большой театр России, Москва;
1996 – выставка, посвященная 300-летию российского флота. Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»
–
Государственный музей – гуманитарный центр «Преодоление»
–
им. Н.А. Островского, Москва;
–
Выставочный зал «На Каширке», Москва;
–
Центральный дом журналиста, Москва;
–
Студия военных художников им. М.Б. Грекова, Москва;
1996 – персональная выставка (Культурный Центр на Петровских линиях, Москва);
1996 – выставка «Уголки старой Москвы» (Центральный дом журналиста, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1996 – выставка «Натюрморт» (Государственный музей – гуманитарный центр «Преодоление» им. Н.А. Островского, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1996 – осенняя выставка московских художников (Центральный дом художника, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1997 – выставка «Дорогая моя столица. 850-летию Москвы посвящается». Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
–
Культурный центр Федеральной пограничной службы России, Москва;
–
Государственный музей-гуманитарный центр «Преодоление»
–
им. Н.А. Островского, Москва;
–
Культурный центр на Петровских линиях, Москва;
1997 – выставка «Москва, как много в этом звуке…» (Культурный центр на Петровских линиях, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1997 – выставка «Улицы и переулки старой Москвы» (Центральный дом журналиста, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1997 – выставка «Дорогая моя столица» (Культурный центр ФПС РФ, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1998 – весенняя выставка московских художников (Выставочный зал на Кузнецком мосту, д.11, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1998 – осенняя выставка московских художников (Выставочный зал на Кузнецком мосту, д.11, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1998 – выставка «Венец Восьми» (Выставочный зал «Славянский», Москва);
1999 – зональная выставка «Москва-Петербург» (Центральный дом художника, Москва). Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
1999 – юбилейная выставка, посвященная 200-летию со дня рождения А.С. Пушкина. Участие в составе творческого объединения художников «Большое гнездо»;
–
Выставочный зал «Манеж», Москва;
–
Центральный Дом журналиста, Москва;
–
Центральная библиотека № 65 им. В.Г. Короленко, Москва;
